줄거리
영화이다는 1960년대 초 폴란드를 배경으로, 수녀가 되기 직전의 한 젊은 여성이 자신의 뿌리와 가족의 비밀을 마주하는 과정을 담은 작품이다. 주인공 안나는 어린 시절 부모를 잃고 수녀원에서 자라난 인물이다. 조용하고 규율이 엄격한 수도원 생활에 익숙해진 그녀는 곧 서원을 앞두고 있지만, 원장 수녀의 권유로 세상에 남아 있는 유일한 친척을 만나게 된다. 그 친척은 자신의 이모 완다다. 완다는 안나가 알고 있던 삶과는 전혀 다른 방식으로 살아가는 여성이다. 술과 남자, 세속적인 삶에 익숙하고 과거에는 공산주의 정권 아래에서 검사로 활동했던 인물이다. 완다는 안나에게 충격적인 사실을 알려준다. 안나의 본명은 이다 레벤슈타인이며, 자신이 유대인 혈통이라는 것이다. 이름 하나가 바뀌었을 뿐인데 지금까지 믿어왔던 자신의 삶 전체가 흔들리기 시작한다. 두 사람은 이다의 부모가 제2차 세계대전 당시 어떻게 죽었는지 확인하기 위해 길을 떠난다. 그 과정에서 전쟁 당시 유대인 박해와 폴란드 사회의 침묵, 살아남은 사람들의 죄책감과 상처가 드러난다.이다에게 이 여행은 단순히 가족의 무덤을 찾는 일이 아니다. 자신이 누구인지, 어떤 신앙을 선택할 것인지, 사랑과 세속적인 삶을 어떻게 바라볼 것인지 결정하는 시간이 된다. 완다 역시 조카와 함께 과거를 되짚으면서 오랫동안 외면했던 기억과 마주한다. 두 사람은 전혀 다른 세대와 성격을 가지고 있지만 상실이라는 공통된 경험을 통해 조금씩 가까워진다. 여행 중 만난 젊은 재즈 음악가 리스는 이다에게 수도원 밖의 또 다른 세계를 보여준다. 음악과 사랑, 자유로운 생활은 지금까지 경험하지 못했던 삶의 가능성을 열어준다. 하지만 이다는 결국 단순히 세속적인 자유를 선택하는 데 머물지 않는다. 영화이다 결말은 그녀가 자신의 선택을 스스로 받아들이는 과정을 조용히 보여준다. 흑백 화면과 절제된 대사 속에서 영화는 거대한 사건보다 한 사람의 내면이 흔들리고 다시 자리를 찾는 순간에 집중한다. 그래서 이다는 전쟁 영화이면서도 가족 영화이고, 종교 영화이면서 동시에 정체성을 찾아가는 성장 영화로 읽힌다.
배우 이름과 명대사
아가타 트르제부호프스카는 주인공이다 레벤슈타인, 즉 수녀 안나를 연기했다. 당시 신인이었던 그녀는 감정을 크게 드러내지 않는 연기를 통해 이다의 순수함과 혼란을 표현한다. 눈빛과 침묵만으로도 자신이 알고 있던 세계가 조금씩 무너지는 순간을 전달하는 것이 인상적이다. 특히이다에게 중요한 것은 말을 많이 하는 것이 아니라 자신이 들은 진실을 어떻게 받아들일 것인가라는 점이다. 아가타 쿨레 샤는 이다의 이모 완다를 맡았다. 완다는 냉소적이고 거칠며 자기 파괴적인 모습을 보이지만, 그 안에는 전쟁과 과거의 선택으로 생긴 깊은 상처가 자리하고 있다. 쿨레 샤는 술에 취한 장면부터 조카를 바라보는 복잡한 표정까지 폭넓은 감정을 섬세하게 표현했다. 다비드 오그로트니크는 재즈 색소폰 연주자 리스를 연기해 이다에게 수도원 밖의 자유로운 세계를 보여준다. 리스는 음악과 사랑이라는 새로운 경험을 통해 이다의 삶에 잠시 다른 가능성을 열어주는 인물이다. 영화이다는 대사가 많지 않은 작품이기 때문에 특정 문장을 반복해서 강조하기보다는 짧은 질문과 대화에 의미를 담는다. 대표적으로 완다가 이다에게 가족의 뿌리를 알려주며 “너는 유대인이다”라고 밝히는 순간은 영화 전체의 방향을 바꾸는 핵심적인 말이다. 또한이다와 완다가 과거를 추적하면서 던지는 질문들은 누가 가해자였고 누가 피해자였는지를 넘어 기억과 책임에 대한 고민을 남긴다. 완다가 신앙에 대해 냉소적인 태도를 보이는 반면, 이다는 쉽게 믿음을 버리지 않는다. 그래서 두 사람의 대화는 단순한 세대 갈등이 아니라 신앙과 회의, 기억과 망각 사이의 대화처럼 느껴진다. 리스가 음악과 함께 보여주는 자유로운 삶 역시이다에게는 하나의 질문이 된다. ‘다른 삶도 가능한가’라는 물음이다. 결국이다 명대사는 화려한 문장보다 인물들이 침묵 끝에 내놓는 짧은 말에서 힘을 얻는다. 영화가 남기는 가장 큰 메시지는 자신의 과거를 알아야만 반드시 그 과거에 묶여 살아야 하는 것은 아니라는 점이다.이다의 선택은 타인의 기대가 아니라 자신이 받아들인 진실을 바탕으로 이루어진다.
국내외 평가
이다는 파베우 파블리코프스키 감독의 대표작 가운데 하나로, 2013년 공개 이후 세계 영화계에서 높은 평가를 받은 작품이다. 특히 흑백 촬영과 정적인 화면 구성, 절제된 연출이 영화의 역사적 분위기와 인물의 내면을 효과적으로 표현했다는 평가가 많았다. 로튼토마토에서는 비평가 지수 95%를 기록했고, 메타크리틱에서도 91점의 높은 메타스코어를 받았다. 또한 제87회 아카데미 시상식에서 최우수 외국어영화상을 수상하며 세계적인 작품성을 인정받았다. 해외 평단이 주목한 부분은 단순히 흑백 영상이 아름답다는 점만은 아니다. 화면의 여백과 인물의 위치를 절묘하게 활용해 이다가 느끼는 낯섦과 고립감을 시각적으로 표현했다는 점이 특히 높게 평가됐다. 가디언은 영화의 흑백 영상과 두 주연 배우의 연기를 높이 평가하면서 이다와 완다의 관계를 통해 전후 폴란드의 상처를 섬세하게 보여준다고 바라봤다. 타임아웃 역시 작품의 비극성과 시각적 아름다움, 아가타 트르제부호프스카의 절제된 연기를 인상적인 요소로 꼽았다. 반면 모든 관객에게 쉽게 다가가는 영화는 아니라는 의견도 있다. 대사가 적고 사건을 직접적으로 설명하지 않으며 감정을 폭발시키는 장면도 많지 않기 때문이다. 메타크리틱에 소개된 일부 평론에서도 이러한 절제된 스타일이 감정적인 몰입을 어렵게 만들 수 있다는 지적이 있었다. 하지만 바로 그 느린 호흡이 이다의 매력이라고 보는 시선도 많다. 국내 관객의 관점에서 이 작품은 전쟁의 상처와 종교, 가족, 정체성이라는 주제를 조용히 생각하게 만드는 영화로 받아들일 만하다. 특히 한국 관객에게 익숙한 가족의 역사와 기억이라는 문제를 개인의 선택과 연결한다는 점에서 여운이 크다.이다 영화 해석에서 중요한 것은 그녀가 자신의 유대인 혈통을 알게 된 뒤 무조건 이전의 삶을 부정하지 않는다는 점이다. 과거를 알아가는 과정과 자신의 믿음을 선택하는 과정이 함께 진행되기 때문이다. 결국 이 작품은 거대한 사건을 웅장하게 보여주는 대신 한 사람의 얼굴과 침묵을 통해 역사의 무게를 전달한다. 그래서 이다는 화려한 영화적 장치보다 절제와 여백을 통해 오래 생각하게 만드는 작품이며, 영화의 아름다움과 역사적 깊이를 함께 경험하고 싶은 관객에게 특히 인상적인 작품으로 남는다.